1 Международная биеннале

«Скульптура в Contemporary art. Искусство диалога»

Сегодняшнее проявление пластическо-образных возможностей артобъектов представляет широчайший спектр выразительных средств от классических до оригинальных авторских решений в любых материалах и структурно-художественных идеях. Общее и характерное, возможности взаимодействия и пути дешифиниции непонятного, национальная и личная идентификация в контексте глобальной культуры, поиск новой художественной формы и вопросы актуализации сегодняшнего авторского мессиджа и т.п. – все это разные аспекты современного художественного процесса, определяющего динамику его развития. Как позиционировать себя в этом многослойном пространстве, важно разобраться и художнику и зрителю. И здесь способность коммуницирования для тех и других, как с объектами, так и субъектами выходит на первый план. Именно поэтому куратор проекта, известный казахстанский скульптор Э. Казарян предложил тему первого международного биеннале «Взаимосвязи: искусство диалога».

Экспозиция, объединившая, художников из Казахстана, России, Кыргызии, Франции, Швейцарии, Нидерландов, Великобритании, Германии, проявила тенденцию, характерную для сегодняшнего культурного поля: европейские художники в большей степени ориентированы на contemporary art, авторы из стран СНГ, стремясь к воплощению актуальных концептуальных идей, опираются, или априори имеют в виду, классические традиции пластики. При этом обе линии могут параллельно сосуществовать в артпространстве одной страны. Это, одна из сторон евразийского контекста, свойственного современной культуре России и Казахстана, которая основывается не только в объединении общемирового и национального, но и в синтезе современного инновационного с традиционным, автохтонным. Подтверждение тому присутствие на выставке работ российских авторов, напрямую демонстрирующих эти два дискурса. Так, участник престижных Международных биеннале Сергей Катран представил звуко—динамическую интерактивную инсталляцию «Семечки», другой же известный скульптор из России Сергей Сережин выставил композицию «Ноев ковчег», выполненную в реалистической стилистике. Обе работы, каждая в своем аспекте, определенным образом соотносятся и с главным событием этого года Экспо 2017. Семя как символ жизни существует у всех народов. Катран раскрывает главное в нем – энергию роста, пробуждения, которая проявляется в движении этих объектов, при приближении зрителя к ним. Эта тема подчеркивается и специально написанным для этой работы саундом, в каждом случае разном. У Сережина «Ноев ковчег» – тема каноническая и известная, устоявшийся цивилизационный и христианский образ, обретает особый смысл при сравнении с символическим значением «Экспо 2017»: этим огромным, устремленным в будущее мощным «кораблем», объединившем страны и культуры единой идеей Созидания.

Киргизским художникам в небольшой по количеству группе камерных скульптур (авторы Садыкова Базарбек, Турумбеков Аскар, Турпанов Нарын, Мукамбетов Мура) удалось показать, как проходил путь развития национальной скульптуры от реалистических образов («Борьба», «Барс») до аллегорических, символических ( «Гильотина» и «Аял»), и, наконец, индивидуально экспериментальных («Кот»).

Событием биеннале можно назвать участие в нем известных европейских художников contemporary art. Для казахстанского зрителя, все еще недоверчиво относящемуся к этому направлению современного художественного творчества, знакомство с их работами расширяет границы восприятия визуальной образности, будирует ассоциативные размышления, вводит в контекст современных художественных практик, в конце концов, открывает новые стороны эмоциональных сопереживаний.

Дешифровка семантического наполнения произведений европейских авторов в нашем контексте не всегда может совпадать с идеей художника. Но это и не является главной целью таких выставок. Произведение искусства после его завершения в материальной данности продолжает свое совершенствование в восприятии. Возможность контактов с объектом, поиск путей и методов диалога с ним происходит только в экспозиционном пространстве . Поэтому выставки, это продолжающаяся, а не завершающая часть художественного процесса.

Что же предлагают для размышления европейские мастера?

Энтон Хейвуд (Antony Heqwood) и з Великобритании представил две терракотовые композиции размером 60 и 70 см «Коллизей» и «Три колонны». «Коллизей» сам по себе уже знаковый символ европейской культуры, три близстоящие колонны классического ордера во второй работе также обретают метафорический смысл, воспринимаясь как воспоминание об античных развалинах, многим знакомым по путешествиям и публикациям. Казалось бы достаточно трафаретные образы. Однако их цветофактурное решение и намеренная небрежность пластического языка дают повод для другой тональности в интерпретации. На это нацеливает и масса цветов у их подножий, упрямо напоминающие « анилиновые» кремовые розы на дешевых тортах, а кракелюрная глазурь на расколотых стенах «коллизея» и как бы осыпающеся бока колонн - многослойную штукатурку, бесконечно подновляющую старые дома. Ирония автора по поводу устаревших ценностей, превратившихся в дешевые сувениры, здесь очевидна.

Произведения швейцарского художника Бернарда Жорди (Bernharda Iordi) «Стебель жизни» и «Небольшая речь» демонстрируют безукоризненную логику структурного построения и высочайшую эстетическую выразительность образного воплощения. Его тема – художественность технологичных объектов и метафизическая сущность их функционального содержания. Уже сами футляры, в которых приехали работы на выставку, являются эстетическими объектами и вполне могли быть участниками экспозиции. Кинетические инсталляции Жорди могут восприниматься и как шедевр инженерной мысли и как сложная по структурному построению скульптура, выразительная в своей художественной законченности.

Кинетическая инсталляция Берта Шорена (Bert Schoeren) из Нидерландов практически отзывается на главную тему Экспо-2017 «Альтернативная энергия». Она состоит из группы небольших прозрачных квадратов в красном обрамлении, подвешенных в пространстве и в спокойном положении выглядевших просто как декоративная установка. Однако такое восприятие обманчиво, поскольку на самом деле она полна жизни: утром, под падающими лучами солнца элементы инсталляции начинают двигаться, вечером с приходом сумерек засыпают, проходя, таким образом, обычный ежедневный цикл живого организма.

Творчество известного художника из Швейцарии Этьена Крахенбуля (Etienn Krahenbul) позиционируется на мировой художественной сцене как монументальная скульптура, хотя с точки зрения приверженцев классики, это нечто иное. Его большие пространственные инсталляции, живущие в городской среде и парковых зонах многих европейских городов, концентрируют в себе выразительный язык окружающего урбанистического пространства и, в то же время, каким-то образом подчеркивают энергетическое воздействие сил природы, воспринимаемой художником непременным условием человеческого существования. В экспозиции выставки Этьен представил работу, объехавшую многие страны –двухметровую, ( вертикали) инсталляцию «Остановленное время» (Temps Suspendu). Она состоит из определенного количества полированных металлических кубов, подвешенных в пространстве открытой четырехсторонней конструкции. Собранные в квадратную платформу в статике, они начинают двигаться под ветром, под руками зрителя (тактильное общение приветствуется автором), оживляя все вокруг мерцающими световыми бликами. Понятно, что время физически остановить нельзя, но творческой энергией мастера, таким образом, формулируется одна из метафизических моделей подобной возможности.

Казахстанские авторы представили широкое разнообразие стилистик, материалов, творческих позиций. При этом очевидна целостность и специфичность национальной школы пластики, основанная на критериях классического искусства в прямом или опосредованном состоянии проявляющихся в самых смелых экспериментальных поисках. Это отражается в построении композиционных решений, работы с формой, исполнительском мастерстве.

Наиболее явно тяготеет к принципам академизма творчество Даира Тулекова. Были представлены три его работы «Лето», «Кукловод» и «Апашки. Разговор.». Спокойная гармония и романтические интонации, свойственные пластике Даира, уавновешивают экспозиционное пространство, где преобладают эксперимент, экспрессия, визуальный натиск пластических идей. Патриарх казахстанского Contemporary art Г. Трякин-Бухаров, работающий в стиле треш-панк искусства, выставил инсталляцию «Мустанг» с элементом кинетизма, подчеркивающим качества коня как альфа-самца: этакий авторский «Стеб» по поводу героизации символики лошади. Продолжение иронично-юмористической интонации, являющейся одним из распространенных качеств современного искусства, демонстрируют артобъекты Шамиля Гулиева, которые можно рассматривать и как скульптуры и как инсталляции – «Гора, идущая к Магомеду» и «Винсент» (посвящение Ван Гогу). Их материал – осколки разбитой узбекской керамики еще больше подчеркивает шуточный характер образов, одновременно намеренно конкретизируя географию региона, где происходит встреча со зрителем – своеобразный перевод на национальный язык. Выбор узбекской керамики произошел исключительности в силу ее декоративности и широкой известности. Камерная бронзовая пластика Даурена Досмагамбетова в анималистическом жанре представляет автора как серьезного мастера, которому доступны самые сложные приемы лепки импрессионистического характера, умеющего увидеть и воплотить сложнейшие ракурсы в композиционных разворотах объемов. Елена и Эльвира Григорян выставили керамическую инсталляцию «Библиотека» – развернутые книги на письменном столе. Свойственная этим художникам цветовая и пластическая культура, основанная на сдержанности и глубине колористической гаммы и выразительной лаконичности формы, отсылают к их живописным полотнам, которыми они известны в Казахстане. Эволюция творчества Эдуарда Казаряна («Воспоминания большой пирамиды», «Воспоминания», «Луна») развивается в сторону все большего облегчения формы – его подвесные композиции из бронзы становятся ажурными, почти прозрачными, где рисунок создается виртуозными движениями тигеля, ставшего художественным инструментом (как кисть или резец) в руках мастера. Воплощаемая им картина мироустройства в каждом случае обрастает новыми подробностями, повествование превращается в описание визуальными «символами» сюжета или образа, лежащего в основе его построения. Гани Чагатаева «вывела» на выставочный подиум караван верблюдов, выполненных в картоне приемом «оригами». Их песочный цвет, правильно выбранный масштаб, четкие, геометрические линии абрисов, ритмика выстроенных в цепочку фигур – все вместе формирует образ как бы застывшего во времени мерного движения в раскаленном воздухе безграничной пустыни. Мэтр казахстанской скульптуры Вагиф Рахманов в композиции «Стол» развивает тему, начатую еще в 70-х годах прошлого века. Предметы и кисти рук, сложенные в жестах и помещенные на условной плоскости стола, всегда разные по образной пластике в ряду подобных работ, продолжают неторопливый рассказ о преемственности поколений и неспешном течении жизни среди ее неизменных ценностей.

Центральное место в экспозиции заняли работы Алибека Мергенова «Алатау» и «Война». Эти два произведения, пожалуй, единственные из представленных, несут в себе важный социально-гуманитарный смысл. «Война»: бойцовый петух, взобравшийся на труп поверженного врага – точно такого же петуха, поет свою победную песню. Авторский посыл очевиден и не требует расшифровки. «Алатау» – сложный многослойный образ, полифония его семантических характеристик требует специального рассмотрения. Ее лейтмотив исходит из названия «Алтау» переводится как «пестрая степь». Героями Степи, ее народа всегда были батыры. Сегодня образ батыра как никогда популярен, изображение воина на коне, ставшее каноническим, можно встретить по всему Казахстану. В работе Алибека можно увидеть канонические черты, но ее история совсем другая. Композиционно она удерживает в своем общем решении воспоминание об известных памятниках батырам. Но здесь его герой, стремящийся удержаться в седле, или выскочить из него, на самом деле изнемогает под массой обрушившихся на него обстоятельств. Пластический язык, отсылающий и к стимпанку и к реализму, переходящему в намеренный натурализм, в своей экспрессивной выразительности доводит образ до предельного драматизма. Исполнительское мастерство, сложность литейной технологии, позволяющая воспроизводить почти ювелирные детали, становятся частью общей художественно-эстетической системы, усиливая воздействие на восприятие. Батыр ХХ1 века, борется с вызовыми времени, разрушающими его природную силу.

Сегодняшний диапазон художественного творчества не имеет пределов в темах, материалах, авторских позициях. Одни виды и жанры, направления и эстетические коды перетекают в другие, усиливающийся информационный поток и многообразие современных жизненных парадигм разрушает стереотипы. Скульптура носит в себе характеристики пространственной инсталляции, инсталляция обладает пластической выразительностью и образностью, позволяющей говорить о ней как о скульптуре. В конечном итоге при разнице в принципах художественного изложении их нарративы могут обнаруживать много сходного. Все это со всей очевидностью было представлено в экспозиции биеннале. Важность таких событий трудно переоценить. Паритетное профессиональное партнерство в пространстве выставки представителей разных стран, разных культурных традиций обогащает не только духовно но и дает плодотворные импульсы дальнейшего развития художественных практик. Особо важно, что такие площадки учат взаимодействию, искусству диалога и общения, ведь язык художественного творчества не может быть ограничен географическими границами и культурными различиями.

Текст для каталога. Издано